15 plus grandes chansons emo de "Where Are Your Boys Tonight" de Chris Payne

Payne raconte l'histoire de la décennie couverte par son histoire orale emo stellaire des années 2000 à travers des chansons de Dashboard Confessional, Fall Out Boy, Paramore et plus encore.

Par Andrew Unterberg

Des spectacles de sous-sol à une suite fantastique aux MTV Video Music Awards, Chris Payne's Where Are Your Boys Tonight? The Oral History of Emo's Mainstream Explosion 1999-2008 suit l'évolution de la troisième vague d'emo alors qu'elle devient l'un des genres rock et des cultures de jeunesse déterminants du début des années 2000.

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Rappelé par ceux qui l'ont vécu de la scène, de la fosse et partout entre les deux, Où sont vos garçons ce soir ? est une lecture vivante et haletante qui vous fera revivre d'innombrables moments que vous avez peut-être vécus ou non la première fois. Vous sentirez le froid cinglant à l'extérieur du spectacle de la caserne de pompiers de Jersey au tournant du millénaire, et le craquement claustrophobe à l'intérieur de la facture survendue de Chicago au milieu des années 2000, et même le high social d'être au bar de la scène des célébrités de New York à la fin de la décennie. Et bien sûr, vous vous souviendrez des groupes : d'innombrables mini-gangs réunis par désespoir de banlieue et un excès de sentiments d'adolescent, certains avec l'ambition de devenir les plus grandes rock stars du monde, et certains espérant juste un jour jouer pour un quelques centaines de fans dans la salle VFW locale.

Alors que l'énergie du livre est enivrante alors qu'il traverse différents avant-postes de The Scene au cours de la décennie couverte - et finit par le voir devenir national à la radio, MTV et des couvertures de magazines sans fin - l'esprit de celui-ci perdure dans les collections de CD et de vinyles et les listes de lecture Spotify et Apple Music des personnes qui ont vécu et aimé la musique en son cœur. C'est une histoire que vous ne pouvez pas raconter sans ses chansons, qu'il s'agisse de classiques durables qui changent la culture ou de joyaux plus oubliés qui étaient néanmoins essentiels à l'époque pour devenir ce qu'elle était. À cette fin, Payne a sélectionné les 15 chansons qui capturent le mieux les années détaillées dans son livre et qui définissent le mieux un moment qui résonne encore auprès d'un public de tous âges (et même de groupes démographiques plus larges) 15 ans après sa fin officieuse. (Divulgation: Payne est un ancien auteur de Billboard et un ami de longue date.)

Voici les choix de Payne, présentés dans ses propres mots, dans un ordre chronologique à peu près. L'interview a été éditée et condensée pour plus de clarté. Où sont vos garçons ce soir ? sort aujourd'hui (6 juin) sur Harper Collins.

Pour le récit du livre, je voulais connecter les trucs emo traditionnels de la troisième vague à la vague précédente d'emo. De nos jours, les gens utilisent en quelque sorte le terme générique "Midwest emo" pour parler de tout cela, même si tout ne venait pas du Midwest. Donc, des trucs comme Braid et Football américain et Promise Ring. Get Up Kids, plus que n'importe quel groupe de ce groupe, ressemble à celui qui s'étend à l'ère de l'emo dont parle mon livre.

"Ten Minutes" est une chanson extrêmement accrocheuse et bien construite. Et après avoir parlé à beaucoup de gens à l'époque, il semblait vraiment qu'il y avait un battage médiatique tangible autour des Get Up Kids en tant que groupe pop – plus que n'importe lequel des groupes qu'ils ont créés. Et Something to Write Home About, cet album s'est vendu à environ 200 000 exemplaires la première année pour Vagrant, un label indépendant. Cela a mis Vagrant sur la carte, ce qui finirait peut-être par être le label des premières années de mon livre.

Cette chanson est sortie en 1999 – le prochain album de Get Up Kids n'était pas avant 2002, un album intitulé On a Wire, et c'était plus un album indie-folk. Et à partir de là, les Get Up Kids ne sont jamais vraiment devenus le groupe pop crossover que beaucoup de gens pensaient qu'ils pourraient être en 1999. Ce qui, je pense, est beaucoup plus dû aux décisions qu'ils ont prises, en ne voulant pas être ce groupe pop crossover, qu'à tout ce qu'ils ont mal fait ou mal calculé. Mais quand même, cette chanson ressemble à la meilleure chanson pop du premier album de cette époque qui aurait pu être un gros album pop.

Une des scènes que j'aime dans le livre – c'est le groupe qui se présente avec le bus au grand concert de Jersey, et montre à tout le monde dans la scène que c'est possible. Le simple fait de monter dans le bus est un gros problème pour tous ces groupes, et cela vous montre un peu à quel point les aspirations étaient modestes à l'époque.

Ouais, c'était un peu juste pour aimer jouer dans une salle VFW ou une caserne de pompiers. Mais souvent pour aimer 500 enfants de la scène. Alors quand je dis "juste", c'est toujours comme "Merde, ça fait tellement de monde." Ce qui, je pense, est vraiment cool et montre vraiment à quel point ces scènes étaient dynamiques. "Parce qu'un spectacle comme celui dont vous venez de parler, qui a été réservé par des enfants en gros. Ce n'était pas comme une production Live Nation. C'était des enfants qui louaient une sonorisation à Guitar Center ou quelque chose comme ça, louaient un Elks Lodge, et quelques enfants différents réunissaient un tas de groupes qui traversaient le New Jersey en même temps. Et il se trouve que la scène était si dynamique dans le New Jersey à l'époque, que tant d'enfants étaient excités à ce sujet.

Je pense qu'un grand thème de mon livre, en y repensant, est simplement "Les groupes hardcore deviennent plus pop". C'est ça. Si quelqu'un voulait être manager et remonter dans le temps jusqu'en 1999 et gagner une tonne d'argent, cela aurait pu être comme le pitch d'ascenseur. Comme, "trouvez des groupes de hardcore, rendez-les plus mignons et plus pop."

Cette chanson est de Through Being Cool, qui est sorti en 1999 — c'est encore quelques années avant que je ne sois dans cette scène. J'avais 10 ans cette année-là. Je voulais donc vraiment faire preuve de diligence raisonnable en parlant à beaucoup de gens, en particulier à Jersey, qui participaient alors à la scène, afin que je puisse bien faire les choses avec le décor. Et tant de choses revenaient à Saves the Day, Through Being Cool. Il y a des groupes où je pense, dans le récit de l'histoire, on dirait qu'ils étaient comme les premiers grands - mais Jersey était la plus grande scène, la scène la plus importante de cette époque. Et pour 1999, l'année où le livre commence, le plus grand groupe était Saves the Day.

Cet album est un tel paratonnerre pour la discussion. Comme, les gens parlaient tellement de conneries sur le fait que le groupe avait une photo de lui-même sur la couverture, plutôt que d'être juste comme, un album hardcore en noir et blanc à l'air en colère. Et vous savez, avoir toute l'histoire du groupe étant maladroit lors d'une fête, essayant de parler aux filles dans les notes de pochette – très emblématique de la scène à l'époque. Et les paroles de cette chanson sont aussi très emblématiques de ce qui serait copié très, très souvent avec des groupes de cette scène avec ce genre, ce genre de sous-genre de paroles de type "tuez votre ex-petite amie avec une tronçonneuse". Donc, pour le meilleur ou pour le pire, cet album et cette chanson ont vraiment donné le ton à beaucoup de ce qui allait venir avec le genre.

Vous dites qu'ils se font chier pour la couverture – il semble que leurs choix de mode suscitent peut-être autant de critiques que leurs accroches pop ou quoi que ce soit. L'accent a été mis sur eux, portant simplement des vêtements de personne normale.

Ouais, et je pense que c'est aussi en grande partie ce qui a aidé la scène à devenir si grande. Parce que ça a amené plus de gens dans la tente. Ils ressemblent à des lycéens ordinaires. Je pense que pour les enfants moyens des centres commerciaux en banlieue, cela ressemblait plus à "Oh, ce groupe pourrait être moi". Versus peut-être regarder comme une image de Snapcase, ou Earth Crisis ou quelque chose comme ça.

Donc, ce que je voulais faire avec ce livre, c'était juste voir à quel point la légende qui a été transmise semble vraiment réelle, en parlant à beaucoup de gens qui étaient réellement là. Et en lisant à propos de cette musique au fil des ans, il y a tellement de "Oh mon Dieu, quand la vidéo 'Understanding In a Car Crash' est arrivée sur MTV" - MTV2, techniquement - tellement de gens ont dit : "C'était le moment où le spectacles au sous-sol, le métro s'est brisé." Alors j'ai pensé, "Allons vraiment creuser là-dedans. Est-ce que c'était vrai?"

Il s'avère que c'était sacrément vrai. Comme nous y arriverons, il y a quelques grandes chansons importantes qui sortent en 2001. Mais pour en fait un groupe qui venait de l'underground du New Jersey, de cette scène de sous-sol super maintenant mythifiée, jeudi, une chanson sur MTV2 – où il y a un mec dans un groupe en short jouant sur scène dans la vidéo – c'était assez fou. Et je pense que cela a rendu beaucoup de gens dans le courant dominant à l'idée que "la musique rock lourde avec des cris a sa place dans le courant dominant".

Certaines personnes dans le livre parlent de l'importance du fait que les paroles de Geoff Rickly ne soient pas des "chansons sur les filles". Étaient-ils le premier big band de cette scène à être un peu comme ça? Étaient-ils les premiers à avoir des choses plus élevées en tête ?

Ouais, ce ne sont pas les paroles de "Tuez votre petite amie avec une tronçonneuse". Geoff, au niveau des paroles, a été vraiment influencé par les groupes hardcore de DC – évidemment Fugazi, aussi des trucs comme Q et Not U, beaucoup de groupes qui avaient un message plus profond et plus intelligent. De plus, je pense que Geoff venait d'une famille très livresque. Je suis sûr que ses parents l'ont nommé d'après Geoffrey Chaucer. C'est donc de là qu'il venait.

Et un peu par accident, Thursday est devenu le groupe qui a introduit cela dans le courant dominant. Jeudi n'essayait pas d'être comme, "OK, nous allons prendre des chœurs, des cris et des pannes hardcore et gagner de l'argent." Je pense que leur truc ressemblait plus à essayer de tourner pour le hardcore plus Joy Division. Mais ils ont un peu raté la cible et se sont retrouvés accidentellement avec cette chose qui a fini par se connecter accidentellement avec une tonne de personnes.

Rickly est une figure tellement intéressante dans ce livre. Il est l'un des principaux participants en tant que leader du groupe, mais il peut également parler du point de vue d'un label et d'A&R, en tant que producteur, et il est lié au hasard à un tas d'autres personnages de cette histoire. Était-il la figure de connecteur ultime de ce moment? C'était comme ça quand vous l'avez interviewé ?

Ouais, pour moi qui travaillais sur ce livre, Geoff Rickly était le rêve d'un intervieweur. Et je pense que plus que n'importe lequel de ces autres groupes, Thursday est vraiment le tissu conjonctif entre tout. Entre la scène du sous-sol et les salles A&R des majors, entre le hardcore et les trucs poppy, Thursday est le tissu conjonctif entre tout ça, plus que n'importe qui d'autre.

Pensez-vous que les gens s'en rendent compte, leur en attribuez-vous le mérite aujourd'hui ?

Je l'espère. Je veux dire, à bien des égards, je me sentais comme ça à leur sujet quand je les ai découverts pour la première fois en 2003, 2004. En lisant les paroles d'une chanson comme "Understanding In a Car Crash" ou "For the Workforce, Drowning", qui est ma chanson préférée du jeudi, cela vous ouvre l'esprit dans le sens de "Merde, presque aucun des autres groupes de mon rack de CD n'écrit comme ça."

Tout dans Dashboard semble tellement organique, en y repensant. Comme, ça a été dit un milliard de fois : "Oh mon Dieu, c'était fou pour un mec acoustique solo de jouer des shows punk." C'était l'une des choses qui, ouais, ça fait cliché si vous avez beaucoup lu ce genre de choses, si vous aimez vraiment cette musique. Mais c'est tellement vrai.

"Screaming Infidelities" est la plus grande chanson de cette époque de Dashboard, quand il n'y avait que Chris Carrabba et une guitare acoustique. Et c'était tellement organique - Fiddler Records, Amy Fiddler qui dirigeait le label, elle avait juste une distribution locale pour les magasins en Floride, donc elle n'avait pas de distribution nationale pour obtenir l'album à Chicago ou Jersey ou quoi que ce soit. Et une grande partie de la raison pour laquelle il est devenu grand, c'est parce que les enfants l'ont partagé sur Napster après l'avoir vu en direct – ou même ne pas l'avoir vu en direct – alors que Napster commençait juste à prendre de l'ampleur.

C'est drôle plus tard dans le livre, après que Dashboard ait signé avec un label majeur et qu'ils essaient de convaincre Chris de filmer une publicité anti-piratage, et il dit : "Je ne peux pas faire ça, ce sont mes gens." C'était tellement important à l'époque d'essayer de réduire le partage de fichiers, mais votre livre montre que la scène n'aurait pas pu se dérouler de la même manière sans cela.

Ouais, le truc du partage de fichiers, c'est comme - avoir tout ce temps pour y revenir maintenant, il est évidemment bien documenté comment il a fait chuter les bénéfices, pendant un certain temps au moins, dans l'industrie. Mais aussi des artistes comme Dashboard, ils n'auraient jamais eu de carrière sans Napster. Si Napster n'existait pas, ou si Dashboard avait démarré en 1996 au lieu de 1999, il n'aurait probablement jamais été plus qu'un truc local en Floride.

L'une de mes scènes préférées dans le livre est qu'ils affrontent les Strokes pour le prix MTV2 en 2002 aux VMA. Cela finit par être un assez grand moment avec leur victoire. Évidemment, votre livre va être comparé à Meet Me in the Bathroom, car à bien des égards, c'est en quelque sorte l'image miroir : c'est ce qui se passe de l'autre côté de la rivière, avec la scène pas si cool des enfants du New Jersey par rapport à les enfants hipsters de New York. Et il y a des moments amusants dans le livre comme celui-ci où les deux scènes se chevauchent pendant une brève seconde. Qu'est-ce que ce moment a signifié - peut-être même pas pour Dashboard eux-mêmes, mais pour leurs fans ou la scène, pour qu'ils s'affrontent et que Dashboard remporte le prix à la maison ?

Ouais, pour moi quand j'étais enfant à l'époque – je savais que les Strokes étaient une chose, mais ils ne ressemblaient pas à cet énorme groupe de rock. Ils se sentaient vraiment gros dans les magazines. Eux, et des groupes comme Interpol et les Yeah Yeah Yeahs, ces premiers groupes de Meet Me in the Bathroom – je les connaissais certainement. Probablement que les White Stripes me semblaient les plus importantes de toutes à l'époque. Mais pour moi et mes amis et enfants que je connaissais, un groupe comme Dashboard ou Thursday ou Fall Out Boy me semblait tellement plus grand. À certains égards, il y a probablement des mesures qui confirment cela, et à d'autres égards, je n'étais probablement tout simplement pas conscient de l'importance de The Strokes.

Mais oui, vous parliez de la rivière comme de ce séparateur – et malgré la proximité de la banlieue et de New York, cela ressemble vraiment à deux mondes différents en termes d'influence. Et aussi, certains d'entre eux étaient des groupes qui jouaient des spectacles pour tous les âges, des trucs accessibles aux enfants des banlieues, par rapport aux groupes de New York qui jouaient des spectacles de 18+ ou 21+. Et aussi, c'était cher et cela prenait beaucoup plus de temps que vous ne le pensez pour vous rendre à un spectacle dans la ville, comme Webster Hall ou Mercury Lounge, si vous veniez du centre du New Jersey.

Donc, évidemment, nous allons parler de plus grands succès que celui-ci, mais pensez-vous que Dashboard - et peut-être cette chanson en particulier - est toujours l'image que la plupart des gens ont en tête lorsqu'ils entendent le mot "emo" ?

Je pense aux personnes d'un certain âge. Je pense que peut-être des personnes qui étaient en terminale au lycée en 2002. Pour eux, des trucs comme My Chemical Romance et Fall Out Boy sont peut-être autre chose – c'est un peu trop pop – et ils voient l'emo comme étant plus en contact avec le punk. Ce qui, vous savez, Dashboard est.

Donc, dans une première itération de ma proposition, je l'avais structurée autour de Jimmy Eat World. Parce que "The Middle" est une chanson tellement énorme, évidemment, le premier vrai top 40 pop de cette scène. Et j'étais comme, "Oh, le récit est si parfait - c'est un groupe emo des années 90, d'Arizona, signé chez Capitol Records, et a été abandonné, mais avait ces albums classiques des années 90. Et puis ils sont sortis sur leur propre centime et se sont réinventés. Oh oui, c'est le récit - cela a tellement de sens. Et ils sont comme mon groupe préféré. Bleed American est le premier album que j'ai acheté avec mon propre argent.

Mais comme je le disais avec les trucs qui m'ont un peu précédé, je voulais vraiment que ça soit authentique. Et plus il y avait de gens des années 90 qui faisaient partie de la scène à qui j'ai parlé, plus j'avais l'impression que Jimmy Eat World devenait grand avec "The Middle". Les gens étaient tellement excités pour eux, mais c'était tellement inattendu. Alors que là où la scène était vraiment au cœur – et de quoi les gens parlaient, à quoi les groupes réécrivaient leurs albums pour ressembler davantage – c'était des trucs comme Saves the Day et Thursday. Ces groupes étaient vraiment au cœur de ce récit vers 1999, 2000.

Alors que Jimmy Eat World est une sorte de star inattendue qui apparaît sur scène, quelque part en 2002. J'ai donc essayé de refléter cela dans mon livre et de les faire surgir de nulle part, de Mesa, en Arizona, à propos de 100 pages en.

J'ai l'impression que cet album et cette chanson sont assez universellement aimés à ce stade, mais à l'époque, ils ont été saccagés dans Pitchfork, probablement un tas d'autres publications partageant les mêmes idées. Pourquoi pensez-vous que Jimmy Eat World, même en tant que l'un des groupes les plus réfléchis et les plus accessibles de cette scène, était encore considéré comme l'anathème de Pitchfork à l'époque ?

Parce qu'ils sont si sérieux. En fait, je me souviens de la première fois que quelqu'un m'a montré Pitchfork, je me souviens d'avoir regardé Jimmy Eat World parce que c'était mon groupe préféré, et d'avoir été choqué que Clarity ne soit pas aimé. Parce que j'étais tellement habituée à ça – même si quelqu'un n'aime pas Bleed American, il aimerait toujours Clarity. Cela semblait juste accepté. Et aussi parce que pratiquement tout ce que je lisais, c'était des publications punk à l'époque. Je suis totalement en désaccord avec la critique - je suis presque sûr que c'est Ryan Schrieber qui l'a écrite. Mais je pense que c'est une critique assez drôle et bien écrite.

Mais oui, quelque chose qui était sérieux était juste quelque chose qui allait ébouriffer cette foule de la ville dans la vingtaine. Il y a une très bonne citation d'Ian Cohen dans le livre, sur la façon dont les gens pensaient que le punk "avait été corrompu". Et je pense vraiment que c'est ce que ressentaient beaucoup d'auteurs musicaux dans la vingtaine, à New York ou à Chicago de l'époque. Le fait que ce n'était plus vraiment lié à la politique. Et il s'agissait tellement de soi. Je pense que beaucoup de jeunes de la génération X et de punks des années 90 étaient énervés à ce sujet. Et aussi probablement se sentir aliéné et se sentir vieux, pour être honnête.

Mec, The Used est si important. Et je ne m'en suis pas vraiment rendu compte jusqu'à ce que je commence à travailler sur le livre. "Taste of Ink" de leur album éponyme, '02, un album classique. Je ne lui ai pas donné assez de chance quand il est sorti. Je connaissais "The Taste of Ink" et j'ai acheté leur deuxième album, mais je n'y ai pas passé beaucoup de temps. Le premier album est juste comme ça, très habilement produit, mais aussi tellement brut et noueux. Cela cloue juste cet équilibre.

Je pense que la ligne directrice de jeudi à MCR est assez connue à ce stade, comme "Jeudi, le groupe qui vous a amené MCR". Ce qui est vrai. Mais le revers de la médaille en ce qui concerne le groupe qui a fait MCR est The Used. Comme, en parlant de la façon dont c'est le troisième ou le quatrième groupe qui franchit la porte qui devient grand – The Used était celui juste avant MCR, et ils sont devenus assez gros pendant quelques années. Bert sortait avec Kelly Osbourne pendant une demi-minute et était sur The Osbournes, qui était une énorme émission sur MTV à l'époque. Et "The Taste of Ink" était une chanson à succès, et je pense que son succès a vraiment ouvert les portes à la musique post-hardcore criarde dans le courant dominant. Encore plus que jeudi.

Les gens parlent dans le livre de la façon dont Bert et Gerard Way de MCR avaient une sorte de flirt physique qui n'était pas nécessairement sexuel, où ils s'embrassaient ou se tenaient la main devant des inconnus, mais ils le faisaient en quelque sorte comme des provocateurs et poussaient des boutons de cette façon. Il n'y a pas beaucoup de discussions dans le livre sur les personnages qui étaient ouvertement homosexuels à l'époque – alors que beaucoup de ces groupes adoptaient une esthétique semi-androgyne ou sexospécifique, il y a très peu de discussions sur l'homosexualité réelle. Pensez-vous que des trucs comme Bert et Gerard qui s'embrassent étaient plus progressifs ou régressifs à l'époque ? Et y avait-il une réelle présence LGBTQ sur la scène à l'époque ?

C'est une question extrêmement compliquée. C'est comme un essai de 10 000 mots en soi. Je veux dire, la scène était super régressive et faisait respecter les normes de genre traditionnelles de bien des façons. Mais ensuite, comme tu l'as dit, il y avait ces groupes comme The Used et MCR qui portaient du maquillage et ne s'habillaient certainement pas de façon traditionnellement masculine. Et Gerard et Bert s'embrassant pour les caméras – je veux dire, je ne pense pas que cela ait encouragé quiconque à sortir, du moins pas en grand nombre, malheureusement.

Ce qui est dommage – parce que je pense que ce genre de chose, et les gens qui voient Gérard au fil des ans et la figure qu'il a été et ce qu'il signifie pour cette musique, il a définitivement rendu cette scène tellement plus diversifiée. Si vous voyez MCR en direct, ou si vous allez juste à When You Were Young ou à un festival comme Adjacent Fest, c'est évidemment une scène très étrange maintenant, surtout si c'est un spectacle où MCR joue. Ce qui est génial, et je pense que c'est en grande partie la raison pour laquelle la scène semble toujours importante et donne toujours l'impression que cela signifie quelque chose.

Cela étant dit, c'est étrange à quel point c'était à certains égards si repoussant l'enveloppe avec le genre et la façon dont les gens se présentent à l'époque, mais aussi c'était vraiment homophobe. Par exemple, j'ai beaucoup parlé à Buddy Nielsen, le chanteur de Senses Fail, pour le livre - c'est quelqu'un dans le livre qui n'est pas sorti avant les années 2010. Et je lui ai demandé: "Y avait-il beaucoup de gens qui étaient sortis à l'époque des années 2000?" Et il pouvait à peine penser à quelqu'un. Et il était juste comme, "Ouais, si je suis sorti dans les années 2000 au lieu du milieu des années 2010, ça aurait probablement été mauvais pour la carrière de Senses Fail."

Vous avez mentionné que Bert et Kelly Osbourne étaient une chose. C'est drôle, le genre de croisement pop de certains de ces groupes emo – ce n'était pas seulement un truc de radio, c'était un truc de visibilité, presque un truc de TMZ. Vous obtenez des couples puissants comme eux, et Pete Wentz et Ashlee Simpson, même Travie McCoy et Katy Perry pendant une minute. Dans quelle mesure le croisement d'emo avec la conscience nationale était-il fait pour de bonnes célébrités ?

Je veux dire, cela a certainement beaucoup à voir avec la raison pour laquelle il est devenu grand dans les années 2000 et non dans les années 90, vous savez ? C'est comme si Cap'n Jazz ne sortait définitivement avec personne de célèbre. Peut-être que s'ils l'avaient fait, le football américain aurait eu son dû en leur temps.

TBS se sent comme au lycée. À bien des égards, ils le font toujours, avec le nombre de membres qui ont quitté ce groupe et qui y sont entrés, et les querelles au fil des ans. Et tellement de Tell All Your Friends est juste comme, il a dit, elle a dit, et juste des allers-retours trash. C'est l'un de ces albums qui a vraiment donné le ton à tout ce qui a suivi immédiatement. En termes d'albums où, dès que l'album sort, chaque groupe de la scène est comme, "Oh merde, la scène va dans cette direction maintenant, nous devons réécrire notre prochain album." Quand cet album est sorti en 2002, c'était la référence des groupes de scène.

C'est drôle, en y repensant maintenant, beaucoup de ces chansons et celle-ci en particulier, cela ressemble à ce que beaucoup de gens considèrent maintenant comme regrettable à propos de la scène - en termes de mesquinerie et de misogynie , et les mauvaises vibrations un peu cuites. Mais cela ne semble pas blesser l'affection que les gens ont pour cette chanson 20 ans plus tard.

Eh bien, la raison évidente est que les membres de Taking Back Sunday n'ont jamais été accusés de ce dont Jesse Lacey ou Brand New ont été accusés. Je pense en termes de dépassement des limites - vous savez, je n'ai pas toutes les paroles en tête, mais je pense que d'une manière générale, cela couvre ce territoire d'être au lycée et d'avoir juste des émotions angoissantes sur les rencontres et les amis dont vous avez besoin pour sortir. Peut-être utilise-t-il une sorte d'imagerie violente - ce qui n'est pas la meilleure façon de l'exprimer, et j'espère que si vous n'êtes plus un adolescent, vous avez trouvé des moyens plus sains de l'exprimer. Mais je pense que pour les gens de cet âge, avoir de la musique pour évacuer l'angoisse des adolescents fait en quelque sorte partie du fait d'avoir 15 ans ou peu importe.

La querelle entre TBS et Brand New – elle s'est intensifiée, désescaladée, puis de nouveau intensifiée – et elle est finalement devenue extrêmement territoriale. Cela a-t-il un peu bougé toute la scène d'avoir ce genre de factions belligérantes où vous pourriez vous identifier à l'une ou à l'autre? Il semble que presque tous les mouvements rock majeurs des 40 dernières années aient eu ce genre de lutte "Oh, soit tu es une personne de ce groupe, soit tu es une personne de ce groupe" en son centre.

Je pense que cette rivalité a encore beaucoup à voir avec la raison pour laquelle les gens s'excitent pour les chansons de Taking Back Sunday. Par exemple, si vous les voyez en tournée cet été, je suis sûr que l'une des chansons qui passera le mieux sera "No I in Team", et cette chanson était comme écrite à propos de Jesse Lacey. C'était juste le genre de chose où si vous alliez au spectacle avec votre ami, qui venait juste d'entrer dans la scène et entendait quelques chansons mais ne savait rien de Take Back Sunday, vous seriez juste comme, "Oh ouais, et il y a cet autre groupe de Long Island qui commence à devenir populaire appelé Brand New, et cette chanson – laissez-moi vous la jouer – cette chanson parle du chanteur…"

Donc, immédiatement, il y a un récit, il y a une accroche qui vous attire, autre que simplement "Oh, voici un album, les chansons sont bonnes." La narration est toujours si importante pour attirer les gens vers la musique. Et celui-ci a définitivement des parties peu recommandables et des parties assez ringardes rétrospectivement. Mais la rivalité était bien réelle, certainement pendant quelques années au début des années 2000.

La façon dont j'ai abordé Brand New dans le livre, j'ai tout expliqué dans l'ouverture du livre - où je dis: "Je voulais montrer où et comment Brand New a poussé le récit de l'emo à devenir énorme sans glorifier Jesse Lacey lui-même." Et j'ai dit quelles étaient les accusations portées contre lui. C'est le genre de chose où, si j'écrivais une liste pour un site Web des meilleures chansons d'une époque, je ne donnerais probablement pas d'espace à Brand New à ce stade. Car pourquoi le glorifier davantage ? Mais pour avoir écrit le livre, il est impossible de raconter ce récit sans parler de Brand New et de son influence. D'autant plus que c'est une histoire orale.

Leur attrait est si sectaire et spécifique qu'il est difficile de mettre des mots. Et pour moi, cette chanson capture le plus cela. C'est tellement axé sur les paroles pour une grande partie de la chanson. Les deux premières minutes environ, c'est juste une chanson très, très clairsemée avec juste un peu de guitare, à peine de percussions… et ce serait un tel moment dans un spectacle en direct, des enfants chantant et mangeant cette merde . J'ai l'impression que ça doit être tellement bizarre à déchiffrer si tu n'étais pas là. Parce que c'est juste comme, "Est-ce que ce mec est réel avec ça? Est-il vraiment en train de dire:" Je suis envoyé du ciel, n'ose pas oublier "?"

Pour moi et ce que je ressens à ce sujet - j'ai adoré Brand New. Je me souviens que pour un blog j'ai fait un classement des albums des groupes de cette scène, et je pense que c'était en 2014, 2015, et j'ai mis Deja Entendu au n°1. C'est donc là que je veux en venir. Mais si Brand New devait se remettre ensemble maintenant, je n'irai pas à ce spectacle.

Dans quelle mesure avec Deja Entendu et la place unique que cet album occupe auprès des fans de ce moment est-ce que c'était à peu près aussi gros qu'il pouvait l'être sans vraiment traverser? Cela ressemble à une sortie emblématique de sa période, mais il n'y avait pas de vrais succès sur l'album, il n'a pas atteint cette conscience plus large - Jesse Lacey n'était pas une pop star - est-ce que c'est un peu la plus grande chose que les enfants emo peuvent encore dire est entièrement à eux ?

Ouais. Comme, "Aussi gros que vous pourriez entrer dans la scène sans traverser" semble vraiment être une façon appropriée de le décrire. Et je pense que c'est en grande partie la raison pour laquelle les enfants de la scène, même dans les années 2010 – se terminant, espérons-le, avec les allégations qui sortent – ​​pourquoi les enfants possédaient cette musique si proche d'eux. Parce que c'était toujours comme si c'était le leur. Alors qu'un groupe comme Fall Out Boy ou MCR est passé à la célébrité pop, Brand New ne l'a jamais fait. Pourtant, à la seconde où ils annonçaient une tournée, elle se vendrait.

Vous savez, avec le livre - une autre chose que j'écris, c'est que j'espère vraiment que ce livre n'apportera plus de douleur à ceux qui ont été blessés par Jesse Lacey. Brand New, pour raconter le récit, devait être inclus. Mais j'espère juste que je n'ai apporté aucune autre douleur dans la vie de qui que ce soit.

Je suis sûr qu'ils sont encore très régulièrement joués lors des soirées emo, et lors des grands moments de nostalgie en groupe en général. Pensez-vous qu'il y a eu une sorte de prise en compte des relations des gens avec Brand New, en ce qui concerne le fan moyen? Y a-t-il une ambiance différente maintenant lorsque ces moments de chant se produisent? Ou est-ce, "Non, c'étaient les hymnes de notre jeunesse et nous ne voulons pas leur donner ce poids supplémentaire?"

Pour moi, quand ce genre de choses arrive dans un cadre très public, je ne suis pas dedans. Je pense que malheureusement, beaucoup de gens ne s'en soucient pas ou ne savent tout simplement pas vraiment. Je pense qu'en travaillant dans l'industrie de la musique, il est facile d'oublier à quel point l'expérience de beaucoup de gens avec la musique se contente de la diffuser sur Spotify. Et ces gens ne lisent pas Wikipédia, ne se tiennent pas au courant des nouvelles ou même ne se tiennent pas au courant de quoi que ce soit de spécifique sur l'artiste. Probablement beaucoup de gens, les chansons de Deja sont les chansons qui apparaissent parfois sur les listes de lecture emo sur Spotify. Et probablement beaucoup de gens ne sont même pas au courant de la situation de Jesse Lacey.

Je pense qu'ils ont essentiellement pris le truc hardcore dont je parlais plus tôt - avec la création de pop hardcore - ils l'ont poussé aussi loin que possible et que ce soit toujours de la musique hardcore. Au-delà de "Sugar, We're Goin Down", il devait aller ailleurs. Ils l'ont poussé aussi loin que possible dans cette direction. Et Fall Out Boy est allé ailleurs, avec Infinity on High. Mais je me souviens juste d'avoir pensé que c'était tellement cool à l'époque d'être comme, "Wow, c'est comme une chanson hardcore sur laquelle vous pouvez jouer - mais c'est constamment sur Z100." Et c'était comme: "Yo, c'est la panne ici, c'est la partie vraiment lourde, c'est en fait un peu secrètement lourd… c'est tellement fou que c'est en fait sur Z100, pas juste un peu, mais comme, beaucoup. "

Pete Wentz est une figure de votre livre qui remonte au milieu des années 90, dans Racetraitor à Chicago. Le succès de Fall Out Boy était-il juste une question de rencontre entre Wentz et Patrick Stump qui avait le genre de talent vocal pour exécuter sa vision?

Patrick est si important. Ouais. Il y a ceci – c'est tellement drôle à quel point Pete est extravagant quand il parle de ces choses. Il y a une citation dans le livre où Pete dit : "Avant de rencontrer Patrick, je me sentais comme un peintre fixant une toile vierge, mais tout ce que je pouvais faire, c'était peindre au doigt, puis j'ai rencontré Patrick et il m'a montré le chemin..." Mais c'est vrai, parce que comme – Pete avait la vision, Pete était déjà une célébrité mineure au sein du hardcore. Mais Pete n'est pas vraiment un chanteur. C'est un bon leader en tant que leader hardcore, hurlant, mais ce n'est pas un chanteur. Et c'est un très bon parolier. Donc, comme tant de groupes ou de succès créatifs, c'est un partenariat à deux. Et c'est ce que sont Stump et Wentz – ils étaient complètement imbriqués, symbiotiques, remplis des autres côtés et c'était tout. Ils formaient le duo parfait.

C'est drôle de voir comment les VMA continuent d'apparaître tout au long de votre livre – c'est en quelque sorte le substitut de toutes les récompenses et acceptations de l'industrie – mais ils sont en lice pour le prix MTV2 en 2005 contre My Chemical Romance. Et ils gagnent, et c'est surprenant pour beaucoup de gens, mais ils montent et remercient MCR dans le cadre de cela. Et il y a une citation d'Andy Greenwald dans le livre sur les deux groupes qui sont en quelque sorte ensemble, mais aussi en quelque sorte pas ensemble - s'utilisant comme des bâtons de mesure l'un pour l'autre. Que voyez-vous comme étant la dynamique entre ces groupes alors qu'ils deviennent en quelque sorte les groupes déterminants de l'emo au milieu des années 2000 ?

Eh bien, également dans cette partie, Andy dit: "C'était une époque où leurs agendas s'alignaient." Ce qui, je pense, est une très bonne façon de le dire. Je veux dire, Fall Out Boy remportant ce prix et criant MCR était très révélateur de l'ambiance de la scène à l'époque. Là où tout était, "Soutenez la scène!" Et beaucoup de cela est sérieux, vous savez? La scène était à bien des égards ce truc insulaire - qui est devenu très populaire, mais c'est quand même ce truc insulaire, ce club de contre-culture qui est devenu bien plus grand que quiconque ne le pensait. Et une partie de l'éthos était de crier les autres groupes, de chanter leurs louanges.

C'était l'un des genres où il est assez courant de voir des artistes se produire, mais portant un t-shirt de groupe d'un autre artiste. Où l'ambiance est du genre "Ouais, mon groupe est cool, mais cet autre groupe l'est aussi." Et vous savez, je pense que MCR se faire crier par Fall Out Boy en est un bon exemple. Et je pense qu'en ce moment, les groupes sont définitivement amicaux. Ce serait assez malade de les voir partir en tournée ensemble. Logistiquement, je ne sais pas si ce serait vraiment faisable. Parce qu'ils sont tous les deux grands, mais de manière assez différente. C'est pourquoi je pense qu'ils étaient si fascinants pour moi en tant que co-responsables du livre.

L'ultime single crossover emo-pop parfait des années 2000 : "Sugar, We're Goin Down" ou "The Middle" ?

Je veux dire, "The Middle" a tellement changé ma vie. Je ne peux rien dire d'autre que "Le Milieu".

Je sais donc que les masses voient probablement "I Write Sins Not Tragedies" comme The Big Panic Song, du moins sur A Fever You Can't Sweat Out, leur premier album. Mais – les vrais le savent – ​​c'était la première chanson qui a fait des vagues sur Internet. C'était "l'heure de danser". "I Write Sins" n'était pas disponible avant la sortie de l'album. "Time to Dance" était la première démo de Panic! qui était en ligne, une fois que Wentz a commencé à les faire connaître. C'est la chanson qui a tout déclenché pour eux. Et si vous les aviez vus à cette époque, cela aurait absolument obtenu l'une des meilleures réponses de tout ce qui se passait sur cet album.

À bien des égards, juste après avoir vécu toutes ces années, cette ère de panique! se sent si cool et unique pour moi. Parce que pour moi, j'ai l'impression d'être le premier artiste superstar venu uniquement d'Internet. Fever ressemble à cet album, et la première chose qui en ressort est "Time to Dance".

L'autre chose intéressante, qui va en quelque sorte de pair avec cela - quelqu'un parle dans votre livre de la façon dont Panic! étaient en quelque sorte le premier groupe de ce moment qui ne pensait pas du tout à "Comment allons-nous jouer ces chansons en live?" Parce qu'ils n'ont pas vraiment fait leur entrée dans la scène, payant leur dû en direct. Ils ont donc pu voir plus grand à propos de ces chansons, les imaginer d'une manière qui n'aurait pas nécessairement été traduisible en direct - des commutateurs de rythme, une instrumentation supplémentaire, pas le genre de choses que quatre gars dans une petite salle peuvent nécessairement recréer par eux-mêmes . Mais cela rend les chansons – et celle-ci en particulier – très vastes musicalement.

Ouais, cet album, et juste Panic ! comme une chose qui énervait tant de gens à l'époque. Je veux dire, parce qu'ils n'avaient jamais vraiment tourné auparavant, et ils ont été signés et sont devenus immédiatement énormes, et n'ont pas "payé leur dû" - parce qu'ils ont joué en live avec beaucoup de pistes d'accompagnement, parce qu'il y avait toute cette instrumentation supplémentaire sur l'album - ils étaient super polarisants. Tout le monde avait une opinion sur eux. Ils étaient comme un paratonnerre pour tout.

Mais ils semblent super en avance sur leur temps maintenant.

Un peu par hasard. Parce que je ne pense pas qu'ils aient fait l'album en se disant : « Nous devons faire en sorte que les pistes d'accompagnement soient acceptées dans la scène – la scène est contre l'instrumentation supplémentaire en direct depuis trop longtemps, nous devons normaliser les pistes d'accompagnement ! Je ne pense pas que c'était l'intention. L'intention était qu'ils ne savaient pas mieux, car ils n'avaient jamais tourné auparavant. Et parce que GarageBand venait de sortir sur les nouveaux MacBooks, cela leur a donné la technologie de base pour faire ces chansons qu'auparavant vous auriez essentiellement eu besoin de votre propre groupe de garage humain de personnes jouant dans un garage pour le faire.

Pensez-vous que le rôle dans la vision originale du groupe que Ryan Ross a joué – est-ce que ce genre de choses se perd dans l'histoire maintenant que Panic! est juste principalement Brendan Urie?

Ah, tout à fait. Et j'ai vraiment essayé de souligner l'importance de Ryan Ross dans le livre. Parce que Ross était le parolier principal de Fever, et il s'agissait en grande partie de paroles très personnelles sur sa relation tumultueuse avec son père et sur les problèmes de dépendance de son père. Étant fan du groupe à l'époque, cela ressemblait beaucoup plus à un groupe. Comme, Brendon Urie était célèbre dans une certaine mesure, parce qu'il était le chanteur, mais vous saviez un peu comme… tous leurs noms ? Je me souviens que c'était tellement grave quand Brent, le bassiste d'origine, s'est fait virer du groupe. Ainsi, l'ère Fever de Panic! était définitivement un effort de groupe, et Ryan Ross en tant que parolier principal, et un énorme collaborateur avec Brendon… vous ne pouvez pas sous-estimer l'importance de Ryan.

À bien des égards, Black Parade ressemble à la consommation de tout avec ce livre. MCR est allé aussi loin que vous le pouviez, vous savez? Comme, l'album le plus ambitieux que vous puissiez vraiment concevoir d'un groupe de leur acabit. Et ils ont réussi. C'est la chanson qui a finalement fait dire à votre fan de rock classique typique, qui déteste l'emo, "Tu sais quoi ? MCR, ils vont bien, parce qu'ils ont cet opéra rock et ça me rappelle Queen et Rolling Stone me dit que ça va."

Mais alors c'est comme - qu'est-ce qui vient après ça? Rien. C'est difficile de penser à des groupes qui ont vraiment essayé de l'imiter ou de l'arnaquer, parce que c'était tellement intouchable. C'était comme, "Comment essayez-vous même de l'arnaquer?"

L'un de mes thèmes récurrents préférés dans votre livre est que d'autres artistes parlent de My Chemical Romance et disent, par exemple : « Nous pensions que nous étions plutôt bons, nous pensions que notre album était serré, puis nous avons entendu Three Cheers ou nous avons entendu Black Parade et nous étaient comme, 'Ah, f—k. Ils nous ont battus.'"

Ouais, quelques bonnes citations de Taking Back Sunday à ce sujet dans le livre. Alors oui, je suis sûr que ça a définitivement rendu certains groupes jaloux quand il est sorti. Mais il est difficile de penser à quelqu'un qui, même sur le plan sonore et esthétique, ait essayé de l'imiter. Et certainement personne ne l'a dépassé.

Je pense que comme avec la prochaine vague d'emo, comme les trucs de revival, ça a un peu de sens maintenant, en regardant en arrière que beaucoup de ces trucs ont commencé à apparaître en 2007, 2008, 2009, les années qui ont immédiatement suivi Black Parade. Pas parce que c'était vraiment influencé par Black Parade, mais juste parce que le truc emo mainstream — si vous êtes un musicien ambitieux qui s'intéresse vraiment à ce genre de choses, où allez-vous ensuite ? J'imagine qu'en 2007, vous ne pensez pas vraiment à Gerard Way ou Pete Wentz. C'était à peu près à l'époque où les gens commençaient à découvrir ou à redécouvrir le football américain, du genre "Faisons ces riffs scintillants et voyons jusqu'où nous pouvons aller."

Cela semble plus réalisable, peut-être.

Je pense aussi que beaucoup de musiciens étaient plus intéressés par quelque chose qu'ils avaient l'impression de pouvoir toucher. Cela semblait un peu plus accessible, plus communautaire. Non pas que Black Parade ne l'est pas, mais vous savez, quelque chose qu'eux et leurs amis pourraient peut-être réaliser dans une émission maison.

Quand les gens repenseront à l'emo dans 30 ans, pensez-vous que Black Parade sera le premier album auquel ils penseront ?

Ouais. Je dirais que oui. Je veux dire, c'est maintenant. Même si ce n'est pas votre album préféré de l'époque, il est assez difficile d'argumenter contre le fait qu'il soit le summum de l'époque, pour le moment grand public de l'emo.

Je parlais juste de la façon dont j'avais l'impression que tout était fini après Black Parade, du genre "Oui, ils ont poussé l'emo-pop aussi loin que possible, c'est tout, puis c'est devenu underground." Puis en 2006, il y avait Paramore – c'était un big band, mais ils étaient aussi gros que possible sur la scène, sans être gros en dehors. C'est drôle de penser qu'en 2006, Paramore et cet autre groupe Cute Is What We Aim For étaient tous les deux sur Fueled by Ramen, et étaient probablement tous les deux des groupes de taille égale. N'a pas duré trop longtemps.

Lorsque Riot a été annoncé pour la première fois - je ne sais pas si j'ai vu la pochette de l'album en premier ou entendu "Misery Business" - mais je me souviens juste d'avoir dit "Oui, évidemment". Parce que tout le monde pensait que le groupe serait énorme, c'était juste une question de moment. La première fois que je les ai vus, c'était derrière All We Know Is Falling, le premier album. Et je me souviens qu'il y avait des enfants d'âge moyen au spectacle. Ce que vous avez vu un peu à l'époque, mais la base de fans était encore plus jeune. Et ils avaient des paroles imprimées avec eux – des enfants apportant les paroles imprimées pour chanter. Et cela montrait à quel point le groupe puisait dans une base de fans différente: des enfants plus jeunes et, bien sûr, des jeunes femmes.

Parce qu'aller à des spectacles à l'époque - c'était tout à fait banal pour la moitié de la foule, ou plus de la moitié de la foule, d'être des jeunes femmes. Les filles sont une telle raison pour laquelle la scène est devenue aussi grande qu'elle l'a fait, et c'est assez ridicule – déconcertant, même – de penser à la raison pour laquelle il n'y avait pas de grande superstar féminine dans cette scène jusqu'à Paramore.

Pas même juste une superstar - c'est la 13e chanson dont nous parlons, et Hayley Williams est la première femme de tout genre dont nous parlons, du moins en tant qu'interprète. Êtes-vous d'avis que ces groupes féminins, ou ces femmes dans des groupes étaient là, mais qu'ils n'obtenaient pas le soutien de la scène ou des labels ou même des fans que leurs homologues masculins étaient ? Ou pensez-vous qu'ils étaient en quelque sorte découragés par le fait que la scène était si dominée par les hommes et qu'il n'y avait même pas beaucoup de filles dans les groupes qui essayaient en premier lieu ? Si les femmes étaient si bien représentées dans le public, pourquoi étaient-elles si peu nombreuses sur scène ?

Je n'ai toujours pas vraiment la réponse à cela. Si vous essayez d'aimer, pensez à la source de cela, et pensez aux premiers groupes de machines à sous comme un festival comme Bamboozle ou Warped, ou aux groupes de bébés signés sur un grand label de scène comme Victory ou Fueled by Ramen… il y avait juste 't beaucoup de présence féminine à tout cela. Donc ça craint, mais je ne me souviens pas de tant de femmes dans les groupes à l'époque, avant Paramore. Je ne le fais pas.

Ce n'était pas seulement endémique à l'emo. Si vous regardez les trois plus grands moments rock des années 2000, entre l'emo, le nu-metal et la nouvelle révolution rock, ils ont tous exactement un groupe à front féminin dans leur sorte de niveau A. Alors, était-ce juste une sorte de rock des années 2000 en général, et peut-être que l'emo se concentre davantage sur ça en raison des accents lyriques de ces groupes et de certains de leurs comportements problématiques en coulisses?

Je pense qu'il obtient également à juste titre certains des une concentration supplémentaire parce que l'emo était si étroitement liée au hardcore, et vous pouvez retracer tout le chemin jusqu'à Ian MacKaye et Revolution Summer et les problèmes sociaux progressistes de gauche. C'est pourquoi je pense que c'est juste - nous devrions examiner attentivement tous les genres pour cela, évidemment, mais je pense qu'il est juste d'examiner un peu plus l'emo. Parce que si vous retracez le genre, il prétendait être inclusif.

Juste pour revenir à "Misery Business" - je suis curieux de savoir ce que vous pensez de la scène, les plus vrais fans de Paramore pensent de cette chanson. De toute évidence, le groupe a une relation assez compliquée avec lui – Hayley a même dit qu'ils allaient arrêter de le jouer, au moins pendant un certain temps – car il a une dynamique de genre régressive. Et je ne pense pas non plus que ce soit une chanson qui démontre vraiment ce qui est génial avec le groupe, du moins par rapport à certaines des autres chansons de cet album et à leurs succès ultérieurs. Mais c'est toujours une partie importante de leur catalogue. Est-ce que les vrais fans le prennent aussi, ou ont-ils une relation mitigée avec ça ?

Je pense que beaucoup de fans de Paramore ont définitivement une relation mitigée avec ça, à cause de ce que vous disiez avec l'évolution de Hayley avec sa relation avec les paroles au fil des ans. D'après ce que j'ai observé, la chanson préférée des fans de cet album semble être « That's What You Get ». Mon préféré est "CrushCrushCrush". Mais je pense toujours que "Misery Business" est l'une des trois ou quatre chansons les plus fortes de l'album. Et ce que je disais plus tôt à propos de MCR et Black Parade, je ne pense pas que Riot ait nécessairement pris le genre sonore pour aimer un nouveau territoire. Mais c'est un album rock exceptionnel d'une voix dont la scène avait désespérément besoin.

Donc, avec le livre, je voulais vraiment mettre en lumière des éléments de cette scène que je sentais comme perdus dans les fissures de l'histoire. Et l'un des plus importants était à quel point cette scène était chrétienne. C'était si courant d'entendre des groupes dire : « Nous ne sommes pas un groupe chrétien, mais nous sommes chrétiens dans un groupe. Notre foi est vraiment importante pour nous. À l'époque, c'était un peu comme: "Eh bien, certains groupes de la scène sont straight edge, certains sont végétaliens - oh, ce groupe est chrétien." C'était juste une de ces choses, un de ces classificateurs, pour un groupe qui est apparu dans l'emo ou le post-hardcore.

Underoath n'était représentatif que d'un contingent massif de groupes chrétiens et pseudo-chrétiens de cette scène. Dont Paramore faisait partie à cette époque. Paramore adorait Underoath. Ils ont eu une énorme influence sur leur premier album, All We Know Is Falling. Et Paramore, en particulier les frères Farro, en particulier Josh, appartenaient en grande partie à la catégorie "Chrétiens dans un groupe".

Quand tu parles des fans d'Underoath, étaient-ils pour la plupart aussi des fans du groupe pour leur sorte de fervent christianisme ? Ou était-ce en quelque sorte accessoire au colis, et peut-être que beaucoup d'entre eux ne s'en sont même pas vraiment rendu compte?

C'était un mélange. Et certaines personnes - il y avait certainement des enfants de groupes de jeunes, qui diront: "Oh, j'adore Underoath et Norma Jean et Emory et Mewithoutyou, parce que je voulais être dans cette musique mais les groupes chrétiens étaient tout ce que mes parents laisseraient écoute-moi !" Il y avait donc ces enfants du groupe de jeunes, et puis il y avait des enfants qui n'avaient aucune idée de qui adorait ça parce que c'était comme de la musique lourde qui sonnait vraiment comme à l'époque.

Il y a une chanson – la dernière chanson de cet album a été écrite par le chanteur d'un groupe appelé Copeland, ou co-écrit, où ils chantent Jésus par son nom, et c'est évident. Mais à part ça, je pense que personne ne le déchiffrerait jamais.

L'une des parties les plus drôles de votre livre - et c'est triste d'une certaine manière aussi - est la relation antagoniste qu'ils entretiennent avec Fat Mike de NOFX. Votre livre a une sorte de super méchants accessoires, et Fat Mike se présente un peu comme ce genre de relique d'une autre époque, qui ne comprend pas totalement ce qui se passe avec ces groupes, mais est en quelque sorte obligé d'interagir avec eux parce qu'ils ' re viennent de différentes parties de l'univers punk. Et il fait une blague sur l'un des membres du groupe sur scène qui brise peut-être le groupe pendant une minute ?

[Rires.] Ouais. C'était une de ces choses – ce truc Fat Mike/Underoath – où si vous étiez comme un gamin de la scène lisant AbsolutePunk et Alternative Press tous les jours, c'était une telle chose. C'est oublié maintenant, mais cela signifiait vraiment beaucoup pour moi de souligner ces choses. C'était une telle chose à l'époque, et c'était tellement emblématique de cette époque, des groupes de scène - la vague Fall Out Boy / MCR - étant énorme sur Warped Tour. Énorme en général, mais Warped Tour était à peu près le lieu où ces mondes s'écraseraient. Comme, les groupes de skate punk des années 90 – où Fat Mike était la royauté de cette foule – se réunissant avec cette jeune génération qui devenait bien plus grande qu'eux sur Warped Tour, et attirait souvent des foules bien plus importantes. En 2006, Warped Tour venait de connaître sa plus grande année, où Fall Out Boy et MCR ont en quelque sorte tout dépassé. Alors Kevin Lyman voulait en quelque sorte réserver beaucoup plus de groupes punk, et par inadvertance, l'un d'eux a failli mettre fin à Underoath.

C'était une sorte de croisement forcé dans cet espace comme Warped. Parce que sinon, des groupes comme Underoath et des groupes comme NOFX auraient tous deux été sur le CD de la compilation Warped Tour, ou ils auraient tous les deux été couverts dans Alternative Press, mais il y avait peu ou pas de chevauchement dans leur base de fans. Presque tous mes amis qui étaient dans cette musique aimaient Underoath, mais je ne connaissais personne dans mon enfance qui écoutait NOFX.

Cette chanson était énorme. Je suis devenu énorme d'une manière vraiment improbable. C'était sur leur album The Papercut Chronicles, qui sonne essentiellement comme The Roots mais emo. Il est sorti juste avant que Fall Out Boy ne devienne une superstar, au début de 2005. Et puis c'était l'une de ces choses où la scène s'agrandit, Fall Out Boy - qui avait découvert et mis en place Gym Class Heroes - ils deviennent beaucoup plus gros. Il y a donc une plus grande plate-forme pour leur album de suivi. Mais c'est cette vieille chanson qui retient l'attention à la radio.

C'est une histoire très 2023, en fait…

Ouais, il y a beaucoup de parallèles avec la taille de "Cupid's Chokehold". Il a probablement atteint un sommet de popularité deux ans, deux ans et demi après sa sortie, mais c'était déjà le prochain cycle d'albums. C'est donc comme si cette vieille chanson d'un album précédent usurpait le premier single du nouvel album, qui était censé être le plus gros.

Gym Class Heroes a probablement de meilleures chansons - "Taxi Driver" est celle que je crierais, la véritable chanson phénomène MySpace de Gym Class Heroes. Mais cette chanson était énorme, et je pense que c'est une chose assez cool rétrospectivement, comment il y avait un rappeur noir à la tête d'un groupe dans ce monde qui était encore à ce stade super-blanc. Mis à part Wentz, il n'y avait pas beaucoup d'interaction avec le monde du hip-hop. Et à quel point cette chanson a pris de l'ampleur, pendant quelques années à quel point Gym Class Heroes était énorme, sortir de cette scène était plutôt cool.

Vous dites que le public est divisé assez également en termes de genre à ce stade de l'histoire de l'emo - il était probablement encore majoritairement blanc en termes de public. Mais il y avait des fans d'emo noirs, et vous avez même interviewé certains des plus connus dans votre livre. Est-ce que cette partie de la scène emo est négligée, ou était-ce vraiment une petite minorité à l'époque ?

Je veux dire, malheureusement, c'était encore assez blanc. Heureusement, c'est devenu un peu plus diversifié depuis, mais à l'époque c'était une scène extrêmement blanche. Je pense vraiment que Gym Class Heroes a ouvert l'esprit des gens à plus de choses. Je me souviens d'avoir vu le groupe de mon pote Greg ouvrir pour Gym Class au Stone Pony en 2005. Et je me souviens que Travie disait - je paraphrase ici - "Levez la main si vous ne vibrez pas vraiment avec la musique hip-hop d'aujourd'hui!" Je pense que ce qu'il voulait dire, c'est que son groupe avait une approche plus indépendante, une sorte de truc de rappeur sac à dos. Et il s'est probablement dit que beaucoup d'enfants n'étaient pas au courant de ce qui se passait avec le rap à l'époque. Ce qui est probablement vrai.

Mais je pense qu'il a probablement fait du bon travail en poussant certains enfants à sortir plus de musique rap. Je veux dire, il m'a définitivement rendu un peu plus intéressé. Je n'écoutais encore en grande partie que des groupes de scène, mais j'ai acheté Papercut Chronicles. Et maintenant que j'y pense, c'était probablement le premier CD de rap que j'achetais.

C'est donc en quelque sorte le grand chiffre de clôture de la décennie emo, je suppose ?

Ouais, et parler à certaines personnes comme Gabe Saporta, qui a participé à la chanson, et Alex DeLeon de ce groupe The Cab – c'était vraiment comme ça, m'ont-ils dit, à l'époque. L'écriture était en quelque sorte sur le mur que ce serait le dernier album de Fall Out Boy, au moins pendant un certain temps. Et ouais, c'est joli pour eux d'écrire une chanson comme celle-ci et de l'inclure sur l'album.

Avoir des parties invitées dans la grande partie de clôture de la chanson de tout le cercle de Pete Wentz et les disques de Decaydance chantent successivement de petits morceaux de vieilles chansons de Fall Out Boy, retraçant leur étoile… la chanson que William Beckett de The Academy Is chante est une chanson intitulée "Growing Up", qui est même antérieur à Take This to Your Grave, donc ils remontent loin. Et avec Folie a Deux étant un peu incompris lors de sa sortie – et n'étant pas un énorme flop, mais suffisamment de flop pour arrêter la trajectoire ascendante de Fall Out Boy – cela semble définitivement un parallèle à la scène en général, au moment où nous obtenons à 2008. Les choses n'étaient plus à la hausse, et étaient en quelque sorte en train de s'essouffler.

Cela allait-il toujours être le point final, à ce moment précis ? Si Folie a Deux avait été différent, si les choses avaient cassé différemment pour un ou deux de ces autres groupes, pensez-vous que l'emo aurait pu garder sa pertinence pendant la plus grande décennie, sous cette forme ? Ou son temps sous les projecteurs était-il destiné à se terminer quand il l'a fait?

Ouais je pense que oui. Parce que vous avez même traversé cette époque, de la fin des années 2000 aux années 2010 - Paramore était toujours énorme, ils ont eu quelques-uns de leurs plus grands succès. Panique! étaient encore ensemble. Et d'autres groupes comme Cobra Starship et Gym Class ont eu certains de leurs plus grands succès.

Cependant, la plupart de ces groupes s'éloignent de l'emo à ce stade. Aucun de ces groupes ne sonne encore vraiment comme de l'emo au moment où ils marquent ces gros succès.

Oui, mais c'étaient toujours des groupes qui avaient leurs racines, et une grande partie de leur base de fans était quelle que soit la version de 2009 ou du début des années 2010 des enfants de la scène. Il y avait donc encore des groupes de ce monde qui avaient vraiment du succès. Mais quand même, c'était comme si l'emo en tant que culture, en tant que mouvement, n'était plus dans le courant dominant. Même avec les succès pop, quoi qu'il arrive, il avait en quelque sorte suivi son cours comme la définition de la culture cool des jeunes. Eh bien, je ne sais pas ce qu'est le cool, mais… en tant que culture jeunesse déterminante de l'époque.

Je pense que c'était une époque où l'EDM, pour les jeunes enfants, prenait en quelque sorte le contrôle de ce territoire à certains égards. Et en ce qui concerne la musique rock, le rock indépendant et les blogs ont pris le contrôle d'une partie de l'autre territoire. Et puis je pense que c'est en grande partie comme si les enfants vieillissaient. Certains enfants ne trouvent tout simplement pas grand chose de nouveau dans la musique – ils se lancent vraiment dans, par exemple, leur travail. Ou le jeu. Ou juste autre chose, tu sais ?

Si vous pouviez inclure une chanson de plus sur cette liste qui sort en quelque sorte de l'extérieur de la chronologie de votre livre, de 2009 à aujourd'hui. Quelle serait la seule chanson, ou certains des principaux prétendants aux chansons qui maintiennent la flamme emo allumée depuis lors ?

Hmm. C'est cette chanson de Lil Peep qui dit, [sings] "Cocaine, switchblades… GothBoiClique make…" Cette chanson. Mais oui, je pense à beaucoup de choses - à part le rétablissement de MCR et l'héritage de ces grands groupes, je pense à beaucoup de choses qui font que cette musique se sent toujours pertinente, intéressante, un espace non seulement pour la nostalgie mais aussi pour la croissance artistique maintenant, c'est des trucs comme GothBoiClique - en particulier Lil Peep, parce qu'il était de loin le plus grand de ce groupe.

Donc, la scène où les enfants auraient été dans Lil Peep ?

Oui exactement. Comme, la version du milieu des années 2010 de ce qui ressemble à un superfan de MCR qui vient de s'y mettre parce que comme la vidéo "Helena" en 2005 - 10 ans plus tard, ce gamin aurait été à l'un de ces spectacles de Lil Peep.

Les histoires d'allégations d'agression sexuelle peuvent être traumatisantes pour les survivants d'agression sexuelle. Si vous ou quelqu'un que vous connaissez avez besoin d'aide, vous pouvez contacter le Réseau national de viol, d'abus et d'inceste (RAINN). L'organisation offre un soutien gratuit et confidentiel aux victimes d'agressions sexuelles. Appelez la ligne d'assistance nationale sur les agressions sexuelles de RAINN (800.656.HOPE) ou visitez le site Web de l'organisation contre la violence sexuelle pour plus d'informations.

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